Un vestido blanco cuelga en un espacio vacío, sin adornos, sin pretensiones. Su creadora, Cristina Toro, no lo diseñó para una pasarela; lo pensó como un manifiesto. En un mundo donde todo lo intangible —emociones, recuerdos, conexiones— parece estar en juego, Cristina utiliza cada pliegue y cada costura para materializar lo que no se puede tocar. Su estética limpia no es una elección, es una declaración: lo puro no necesita ornamentos. Su capacidad para moldear la materia y transformarla en una experiencia sensorial conecta el cuerpo con el espacio como si fueran uno solo.

La moda es un recurso para expresarse, en la moda comunicas todo el tiempo, lo que usas sobre tu cuerpo está hablando, creas y reconstruyes algo de 0, transmitiendo a través de la materia.

1.1. ¿Qué es la moda para ti?

Para Cristina Toro, la moda no es solo indumentaria, sino una manifestación espacial de la identidad. Cada prenda que se elige y se superpone sobre el cuerpo actúa como una extensión sensorial del ser, configurando una segunda piel que moldea la percepción propia y ajena. Vestirse es un acto de construcción, donde la materia no solo cubre, sino que reinterpreta la relación entre el individuo y su entorno.

El tejido, la textura y la estructura de una prenda son más que elementos estéticos; son información que el cuerpo absorbe y traduce en sensaciones. Así como la arquitectura moldea la manera en que habitamos un espacio, la indumentaria define la manera en que habitamos nuestro propio cuerpo. En este sentido, la moda es un lenguaje de percepción inmediata, donde la subjetividad del observador interactúa con la intención del creador. Cristina encuentra en esta intersección su espacio de libertad, un territorio donde no es necesario explicar, solo sentir.

1.2. ¿Cómo aplicar un conjunto de técnicas y teorías en tu expresión artística para aprovechar de manera práctica el conocimiento adquirido, y qué enfoque tienes hacia la técnica en sí misma para garantizar que tu proceso creativo se mantenga fiel a tu visión y también se ajuste a los avances en la percepción y la comprensión del entorno?

El proceso creativo de Cristina Toro se articula en la intersección entre experimentación y rigor técnico, donde la intuición y el conocimiento especializado convergen en la materialización de ideas. En sus primeras exploraciones, su diseño emergía como una respuesta intuitiva a las dinámicas espaciales y corporales, operando desde una sensibilidad inmediata pero sustentada en un propósito sólido y bien delineado. Su enfoque no surgía de la ausencia de mediaciones conceptuales, sino de una comprensión innata que estructuraba cada proyecto bajo una premisa ideológica clara. Con el tiempo, la incorporación de herramientas técnicas y metodológicas refinó su lenguaje artístico, consolidando un sistema constructivo preciso sin despojarlo de la carga expresiva y la profundidad perceptual que lo caracterizan.

En este proceso, la técnica no es solo un medio de ejecución, sino un instrumento para estructurar la experiencia perceptual. Del mismo modo en que un arquitecto analiza la interacción entre luz, gravedad y escala para concebir un espacio habitable, Cristina integra principios de proporción, estructura y materialidad en cada una de sus creaciones. Sus diseños trascienden la función de vestir el cuerpo; en cambio, establecen un diálogo con él, amplificando su movimiento, su percepción y su relación con el entorno.

La moda, en este sentido, se revela como una arquitectura a escala humana, donde cada pliegue, textura y patrón configuran la interacción del cuerpo con el espacio. Para Cristina, el acto de diseñar es una exploración meticulosa de los límites entre lo tangible y lo intangible, entre la forma y la sensación, otorgando a cada pieza un significado que va más allá de su estética: una experiencia sensorial y estructural profundamente integrada.

1.3. ¿Cómo filtras y seleccionas tus ideas a lo largo del proceso creativo? ¿Qué criterios utilizas para garantizar que cada concepto se alinee con tu objetivo artístico, y cómo decides cuál de tus ideas es la más relevante o valiosa en el contexto de tu trabajo y el entorno en el que te desarrollas?

Cristina concibe su proceso creativo como una arquitectura del pensamiento. Cada idea es una estructura que se edifica desde un concepto central, donde los estímulos visuales, táctiles y emocionales funcionan como materiales de construcción. Este enfoque no se limita a la apariencia, sino que abarca la sensación de habitar la prenda, de integrar al movimiento y al entorno.

Sus referencias provienen no solo del mundo textil, sino de la percepción espacial y la conciencia del cuerpo en relación con su contexto. La moda, al igual que la arquitectura, no existe en el vacío; responde a fuerzas, flujos y experiencias. Cristina traduce esta complejidad en un lenguaje de formas, donde cada detalle posee una intención sensorial.

Más que un proceso lineal, su método es una red de conexiones, donde cada material, color o textura adquiere significado en función de la experiencia que evoca. El cuerpo, como primer espacio habitable, se convierte en el lienzo de su exploración, y la moda en la herramienta con la que lo transforma.

Documentación del proceso creativo.

1.4. Impacto del entorno en el proceso de construcción de realidad: ¿Cómo percibes que los elementos estructurales y sensoriales de tu entorno afectan la profundidad de tu enfoque y determinan la expresión de tu percepción del espacio?

En mi proceso creativo, la profundidad de mi enfoque varía por diversos factores. No puedo dedicar largas horas a una misma actividad; necesito que mis tareas sean más dinámicas. En relación a los elementos sensoriales, si un espacio resulta agradable para mis sentidos como el olfato, la vista y el tacto mi experiencia en ese entorno es más placentera. Esto se debe a que mis sentidos están totalmente conectados con mi expresión creativa. En cuanto a los elementos estructurales, como la arquitectura del espacio, me siento más cómoda en ambientes amplios y con techos altos. Cuando estoy en un lugar que me resulta libre y espacioso, mi creatividad fluye de manera más natural.

1.5. Materialidad como vínculo experiencial: ¿Cuál es el criterio detrás de tu selección de materiales para establecer conexiones sensoriales, y cómo se reflejan en la relación emocional entre la percepción espacial y el cuerpo?

La materialidad es un recurso fundamental que conecta el objeto con el cuerpo, vincularse profundamente con nuestros sentidos y sentires. Por lo tanto, la decisión de los materiales en mi proceso creativo se basa primero en su capacidad para responder al concepto y, en segundo lugar, en cómo el cuerpo y la piel perciben esos materiales, ya sea en términos de comodidad, incomodidad, temperatura o peso. Además, la composición de estos materiales permite generar morfologías y efectos visuales, lo que transforma la percepción visual del cuerpo vestido y su relación con el entorno. Como diseñador o artista, es común establecer criterios de decisión sobre la materialidad con un fin específico. Sin embargo, es importante reconocer que el espectador o consumidor puede interpretarlo de manera diferente, y esto no es negativo. Cada resultado visual genera una percepción única en cada observador, influenciada por sus experiencias personales y conocimientos previos. Así, la observación y el análisis de lo presentado dependen en gran medida de estos factores mencionados previamente.

1.6. Disposición y percepción espacial: ¿De qué forma la organización espacial, en términos de proximidad y escala, condiciona tu proceso de interpretación perceptual y facilita la integración de tu identidad con el entorno?

Al trabajar en un objeto, considero que la percepción y la disposición están ligadas al perímetro del mismo, lo que implica reflexionar sobre las dimensiones máximas como el ancho y largo y las sublímelas, utilizando una lógica más precisa. Cuando hablo del perímetro, no me refiero únicamente a un concepto geométrico; la morfología puede ser diversa. Sin embargo, este proceso de cálculo es esencial para traducir visualmente una idea. La ubicación de texturas o colores también influye en la percepción: los colores claros tienden a ampliar, mientras que los oscuros pueden reducir el espacio visual de igual manera la ubicación de una textura puede generar muchos efectos visuales como la concentración, la gradación o la superposición. En cuanto a espacios he descubierto que en mis proyectos un espacio amplio facilita la comunicación de ideas. Esto permite trabajar con información visual sin caer en la saturación. Los espacios en blanco, que ofrecen un descanso visual, son necesarios para que la información sea más fácil de leer y asimilar.

1.7. Dimensiones de la luz y el color: ¿Cómo experimentas la influencia del color y la iluminación en tu propio estado perceptual, y cómo estos factores amplifican la resonancia sensorial y cognitiva en el espacio?

Personalmente, el color y la luz son recursos constantes imprescindibles, en mi trabajo he logrado percibir un gran apego por los colores de tonalidades altas, así como por los monocromáticos, especialmente el blanco. La iluminación intensa y de temperatura fría es una constante en mis creaciones. Hay algo en el blanco puro que me brinda una profunda satisfacción visual, vinculado a lo prolijo, la estética “crean” y el perfeccionismo. Estas sensaciones son las que busco transmitir a los demás, y el uso del color y la luz se convierte en el puente para lograrlo.

1.8. Estructura y claridad cognitiva: ¿De qué manera la organización (o la entropía) en el entorno donde desarrollas tu práctica contribuye a definir el nivel de precisión con el cual capturas y expresar la esencia de tu percepción espacial?

Aunque en lo que respecta al color y la iluminación busco el perfeccionismo, en mi entorno y espacio de trabajo está presente el caos. Este caos es parte integral de la construcción de ideas, incluyendo los errores y logros del proceso creativo, y refleja la esencia de cada creación. Sentirme cercana al proceso creativo y participar en cada paso me ayuda a capturar y expresar mejor mis ideas y emociones. Aunque generalmente el orden aporta claridad mental, en mi caso prefiero definir mi entorno como un caos ordenado. Este caos, generado por el acto de crear, no me abruma; al contrario, me estimula y fomenta la generación de nuevas ideas. Tengo todas las herramientas a mi alcance y puedo experimentar con libertad. Una vez que concluyó la etapa de experimentación, organizó el espacio para poder avanzar a la siguiente fase del proyecto.

1.9. Interacción dinámica y percepción kinestésica: ¿Cómo consideras que el movimiento dentro del espacio afecta la configuración de tu percepción y profundiza la conciencia en torno al proceso de estructuración mental y corporal?

En mi opinión, el factor movimiento es esencial, ya que representa una forma fundamental de comunicación entre los cuerpos. Para que un espacio funcione a mi favor, debe ser amplio y permitirme desplazarse con libertad. En mi área de trabajo, suelo dividir el espacio en secciones, cada una destinada a una parte específica de mi proceso creativo. Esto es útil cuando utiliza maquinaria o necesito un soporte, como una mesa para cortar. De esta manera, mi dinámica de trabajo se organiza en estaciones, lo que me permite cambiar de actividad y ambiente. Este movimiento es importante, ya que me ayuda a despejar la mente después de varias horas en la misma tarea.

Cristina Toro: La Moda como Arquitectura del Cuerpo Cristina Toro diseña con la misma rigurosidad con la que un arquitecto proyecta un espacio: cada pliegue, cada material y cada proporción responden a una estructura que articula la relación entre el cuerpo y el entorno. Su obra no es solo indumentaria, sino una exploración sobre la percepción, donde el diseño se convierte en un lenguaje sensorial. Esta relación entre técnica y expresión encuentra en 30 & Suelta un terreno fértil para expandir su discurso: el cuerpo como espacio habitable, la vestimenta como una herramienta de transformación y la moda como un sistema de codificación de la identidad. Al igual que el manifiesto del espacio plantea que nuestra percepción moldea nuestra experiencia, Cristina revela cómo la forma en que nos vestimos define nuestra presencia en el mundo.